La noticia saltaba esta pasada tarde corriendo como pólvora por las redacciones musicales: Jandro, batería de El Canto del Loco, abandonó la banda tras un escueto comunicado y en plena gira de presentación de último álbum.

Independientemente de si te gusta la banda o no, hay que reconocer su mérito a los de Dani Martín y ciertamente, por mucho que he investigado estas horas sobre los motivos que le han llevado a dejar la banda de una manera tan precipitada, no lo he encontrado.

La versión “oficial” de la banda en su comunicado es que “pertenecer a la banda no es compatible con crear una familia y cuidarla”. Yo personalmente no me lo creo, porque si quieres hacer algo así no lo haces en la mitad de una gira, a punto de tocar en un festival de la repercusión del Rock in Río.

Por lo que todo lo que se diga ahora son suposiciones, pueden ser mil cosas: la diferencia de edad quizá (Jandro es del 73 y por ejemplo Dani es del 77), quizá mal ambiente en la banda (el pasado 9 de Mayo suspendieron el concierto de Valencia sin dar mayores razones)...

Lo que se sabe por ahora es que habrá un batería sustituto en la banda (provisional o no) y que la gira va a continuar. Después de todo lo que ha pasado con La Oreja de Van Gogh, parece que llega una pequeña crisis-abandono a El Canto del Loco...

Vía | 20 Minutos
Web oficial | El Canto del Loco

“In Trash We Trust”. Ésta consigna la encontramos en la página web de God Forbid y es el título de la gira conjunta con Death Angel, Soilent Green y Light This City que terminaron precisamente ayer en Nueva York. Toda una declaración de intenciones de estos metaleros de New Jersey que ya tienen fecha para la edición del primer DVD de su carrera.

Será el 22 de julio cuando salga al mercado Beneath The Scars Of Glory And Progression, un doble DVD que incluye un concierto en directo en el Starland Ballroom en Sayreviller, su ciudad natal, más un documental sobre la banda y todos sus videoclips.

God Forbid son una banda americana pero están influenciados también por bandas de metal europeo y en su propuesta suman a los Sepultura de Arise con los Pantera de Cowboys From Hell, todo ello adornado con hardcore y death metal nórdico. Una fórmula que ellos han venido perfeccionando en todas sus entregas discográficas. Por eso, yo que tu no me perdería este lanzamiento porque promete ser un auténtico bombazo.

El primer disco inclurá el concierto completo con este tracklist: 1. Force Fed / 2. Chains Of Humanity / 3. Divide My Destiny / 4. Go Your Own Way / 5. Anti Hero / 6. Better Days / 7. The Lonely Dead / 8. Reject The Sickness / 9. Gone Forever / 10. Broken Promise / 11. To The Fallen Hero / 12. The End of The World / 13. Crucify Your Beliefs.

Y el segundo con los extras: The Documentary: Rated R For Real. God Forbid Member Profiles: The Real Black Metal y God Forbid And Their Motorcycles. Más los videoclips: Better Days, Anti Hero, Gone Forever, The End Of The World, To The Fallen Hero y Chains Of Humanity.

Sitio oficial | God Forbid
Vídeo | YouTube

Todo grupo aspira a dejar su huella en la historia de la música, muchos hacen lo que sea por conseguirlo y otros en cambio se limitaron a vestir de cuero negro rodeados de modernos e intelectuales que les veían como bichos raros y a tener un gran mecenas. The Velvet Underground eran los raritos de la clase, los que (en un principio) no estaban interesados en todas las nuevas drogas de diseño que por aquel entonces aparecían en Nueva York recién llegadas desde California. The Factory para ellos no era un templo como para todos los que iban a figurar al llamado club de moda.

The Factory era la casa y templo de su mecenas, del genio del arte y del espectáculo. Andy Warhol era su precursor y quien estaba detrás de todo. No sólo desde el plano artístico le debemos la popularización y elevación del pop-art como arte a tener en cuenta, sino que sin él, The Velvet Underground no hubiesen sido lo mismo que son ahora, e incluso podrían no haber ni surgido.

Es una visión muy simplista, pero Andy Warhol podría ser uno de los personajes más influyentes en la historia de la música, sin ni siquiera tocar un instrumento en su vida. Él dio voz al conjunto de Lou Reed, él les dio soporte económico en una época donde nadie daba un duro por unos chicos que iban de negro día y noche y ni tenían estilo ni carisma para relacionarse con la gente del negocio. Warhol les impuso a Nico en su ya famoso homónimo, Warhol creó las tensiones entre Reed y Cale, y en definitiva, Warhol curtió a Lou Reed enfrentándose a su ego.

(The Velvet Undergound, Sunday Morning; youtube)

Sin ahondar más en ese aspecto, ya que daría para textos y textos (como así ha pasado), qué mejor que recordar el legado de The Velvet Underground sin hablar precisamente de su música, sino de cómo otros músicos entiendieron sus composiciones, cada canción y cada letra, todas ellas únicas.

Todo surgió relacionado con el último disco del grupo español Polar, quien publicará en unos días un disco de versiones titulado Feedback, y en el que se incluye What Goes On como representación de la banda estadounidense.

(The Velvet Underground, What Goes On; youtube)

Lo que iba a ser un sólo artículo ha crecido tanto al escuchar la calidad de las diferentes versiones. Merece la pena irse deteniendo en las canciones más emblemáticas de The Velvet Underground y ver cómo las han versionado otros grupos. La primera de ellas es I’m Waiting For The Man, historia que escribió Lou Reed (como la mayoría de los temas hasta que abandonó la banda) basándose en su experiencia a la hora de esperar al camello y su dosis diaria de droga.

Una primera versión fue grabada en julio de 1965, en el loft que tenía la banda en Ludlow Street, de la mano de Lou Reed, John Cale y Sterling Morrison. En la box set Peel Slowly and See puede escucharse como quedó, desnuda de percusión y con el folk y el blues más presentes.

(The Velvet Underground, I’m Waiting For The Man; youtube)

La versión final se grabó en abril de 1966, en los estudios Scepter, de Nueva York, pese a haberse regrabado otra toma en California. Aquí Reed cambió el “I’m waiting for the man” por “I’m waiting for my man”, para dar más enfasis a su efecto inicial.

De todas las versiones que hay sobre esta canción he elegido las más representativas. Para comenzar, una ya mítica. Una de las últimas actuaciones juntos de Lou Reed y John Cale en una larga época. Demasiado apagada, sin casi fuerza y presciendo de la percusión como en la original, sustituida por el piano de Cale.

(Lou Reed & John Cale, Waiting for the Man, Bataclan ‘72; youtube)

Aunque para ver cómo quedaría esta canción con un piano más marcado, mejor ver la versión en solitario de John Cale que hizo en directo en 1983. Él solo sentado al piano, repitiendo todo el rato la misma estructura hasta tal punto que se vuelve hipnotizante. De mis favoritas, en especial cuando llega al final y varía.

(John Cale, I’m Waiting For The Man; youtube)

David Bowie también se sumó en una época a cantarla en sus directos, uno de ellos a dúo con el propio Lou Reed, pero es mejor la actuación que podemos ver en solitario, donde demuestra su anticipación a cualquier moda. El año es 1976, la new wave casi ni se sabe qué es, quedaría algún tiempo para su expansión y popularización, y aquí vemos al dandy inglés cambiar la melodía a este sonido.

(David Bowie; I’m Waiting For The Man; youtube)

Ya por último, por no expandir aún más el artículo, el dueto que hizo hace poco Lou Reed con otro genio, Pete Townshend. El líder de The Who demuestra su particular estilo a la guitarra, porque sin saber que es él, ese riff y esa manera de tocar, es suya en exclusiva.

(Pete Townshend & Lou Reed; I’m Waiting For The Man; youtube)

En el tintero se han quedado muchas versiones, una de mis preferidas, grabada por Bauhaus con Nico, y otras más flojas como la de Vanessa Paradis, la de 2 Many DJs, o la que Juliette & The Licks han hecho recientemente en directo.

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Están en los Estados Unidos estos días My Chemical Romance en el centro del huracán debido al suicidio de una joven de 13 años fan de la banda, supuestamente debido a las letras de la banda, bastante conocida en el ambiente emo.

Esto me recuerda a lo que sucedió a comienzos de los 90 con Nirvana y sus letras grunge y de autodestrucción, o más recientemente lo que sucedió en el Instituto Columbine, donde dos alumnos mataron a varios compañeros y eran fans de Blink 182, que fueron acusados de incitar al odio en sus canciones.

Pues precisamente Tom Delonge, líder de Blink 182 ha hablado hoy diciendo:

Nosotros pasamos por algo parecido, así que nos es fácil entender por lo que están pasando. No hay nada anormal en sus letras. Claro que tienen ingredientes de rebelión y angustia…pero ¿en qué banda joven no los hay?

Ciertamente, no podría estar más de acuerdo con esas palabras. Entiendo la reacción de una sociedad ante un caso así, y más aún la conservadora sociedad norteamericana, pero creo que es algo que ha pasado siempre, y por muchas letras “que se alejen del rebaño” que existan en la música actual, no se les puede echar la culpa a ellas, no se puede.

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Una fecha a recuadrar, redondear, tachar con todos tus rotuladores y llenar de post-its en tu calendario, lo que tú quieras pero que no se te pase. Lo acaba de anunciar Julio Ruiz en su Disco Grande de Radio 3. Será el próximo 15 de octubre en L’Auditori de Barcelona y ya está todo organizado.

Bajo el nombre La Leyenda de Los Planetas tendrá lugar un concierto tributo a la gran banda granadina y para ello han contado con la colaboración de un montón de amigos planetarios, que de una u otra manera han tenido alguna relación con ellos a lo largo de sus ya deiciséis años de existencia.

Aunque por el momento no está confirmada la participación de J, Florent, Erick, Miguel y Banin en este concierto, lo cual sería todo un detalle por su parte, los que sí que estarán son Nacho Vegas, Lagartija Nick, Enrique Morente, Clovis y Tachenko. Cada uno de ellos tendrá libertad absoluta para rebuscar entre toda su discografia y eligir los dos temas que quieren interpretar en esta noche tan especial.

A pesar de faltar todavía unos cuantos meses, las entradas se ponen a la venta el próximo lunes 16 de junio a traves de Servicaixa y dudo que duren mucho a la venta, a pesar de apenas haberse anunciado. ¿Un miercoles en Barcelona? Al menos para mí, totalmente imposible, ¡quién pudiera!

·Actualización: mas grupos que participarán en este homenaje y más razones para no perdérselo: Fernando Alfaro y Los Alienistas, Manos de Topo, Beff y Pumuky.

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Se confirma ya el cartel de la tercera edición del Summercase, ese festival veraniego dispuesto a competir con el Festival de Benicássim y que se celebra un día en Barcelona y al siguiente en Madrid, alternando el 18 y 19 de Julio.

Pues bien, se han confirmado varios artistas, entre los que por mi gusto destacaría a Dorian y a Facto Delafé y las flores azules, que ambos tienen un directo fantástico. Además desde la organización comentan que Midnight Juggernauts tocarán sólo en Barcelona.

Si no recuerdas, al Summercase ya se habían confirmado otros artistas como Los Planetas, Kaiser Chiefs, Sex Pistols, Blondie, The Verve o Interpol. Tienes la lista completa de las nuevas incorporaciones después del salto:

• Dorian
• Facto Delafé y las flores azules
• Glasvegas
• El guisante mágico
• Midnight Juggernauts
• Mishima
• Mr Flash
• Neon Neon
• Peter Von Poehl
• Els Pets
• Ragdog
• The Requesters
• Rex the dog
• Vicarious Bligss

Personalmente, yo iré el Viernes 18 a Madrid…con la intención de ver a Kaiser Chiefs, Los Planetas, Sex Pistols, The Kooks, Los Campesinos!, Dorian y a Facto Delafé y las flores azules. Todo en un día, pero tendré que descartar alguno, la intención es lo que cuenta…

Web oficial | Summercase

Varios ex alumnos del gran trompetista le rinden homenaje en un un disco en el que repasan su carrera desde la óptica hindú, es decir, la fusión de jazz y música de la ex colonia británica sin complejos. Aunque hay que decir que el propio Miles Davis había ya experimentado con el sitar y las tablas en On The Corner (1972).

Por el doble álbum van desfilando John Maclaughlin, que firma un corte que da título a este tributo y no desmerece del resto, el único que no es de Miles, Jimmy Cobb, Gary Bartz, Lenny White, Chick Corea o Ron Carter junto a músicos de jazz y clásica de gran prestigio en la India, como los miembros de los más importantes grupo de jazz de allí: Shakti y Louiz Bank’s Silk, o el tabladista Badal Roy, que trabajó con el maestro en 1972.

Como es lógico Kind Of Blue, una obra maestra de jazz modal, acapara tres cortes, mientras que el resto se ha elegido de la llamada etapa eléctrica, con Bitches Brew y Big Fun, cediendo dos cortes cada uno. No se advierte que los músicos occidentales no coincidieron con los orientales, circunstancia que no ha mermado ni un ápice la calidad de la grabación.

Es ese material de la etapa electrica de Miles el más acertado: Spanish key, Ife, It’s about that time o Miles Runs the voodoo down lo mejor del álbum, que incluyen un plus de percusión respecto a las versiones originales.

Sin embargo, los temas de Kind Of Blue, caso de Blue in green o All blues, desmerecen del conjunto, lo mismo que In a silent way, que queda totalmente desfigurada. De todos modos, la labor de Bob Belden, responsable de las box sets de Miles Davis para Sony, y el teclista hindú Louiz Banks, hay que decir que es encomiable y hacen que el repertorio de este mito sea aún más misterioso.

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En un post de hace meses en el que hablaba de diez discos que odian los integristas del flamenco incluía a Omega, un trabajo denostado por muchos y alabados por muchísimos más. Se decía entonces que qué hacía el cantaor con un grupo de metal, de trash metal, recreando la obra de García Lorca y Leonard Cohen. Pues, hay que decirlo en voz alta que Omega es una de las cumbres musicales del nuevo flamenco.

En verdad este trabajo es más de Enrique Morente que de Lagartija Nick, puesto que el grupo sólamente aparece en seis de sus trece cortes, pero son en esas canciones en las que la fusión flamenca alcanza su mayor perfección, unas cotas de calidad, emoción, pellizco y fuerza hasta ese momento y, todo hay que decirlo, hasta hoy no superada.

Se dice en el libreto que Omega es la visión de Enrique Morente sobre Poeta en Nueva York de García Lorca pero es algo más que eso. Los temas de Cohen que se añadieron al disco apuntalan una obra irrepetible, sobre todo Manhattan y Aleluya, precisamente con la participación del grupo de Antonio Arias. Pero en ese disco también descubrimos a una jovencísima cantaora, Estrella Morente, hija del cantaor, que nos puso y nos sigue poniendo los pelos de punta en el dueto que hace con su padre en la versión de First we take Manhattan.

No me parece que haya envejecido mal Omega y tras hacerse Morente con el máster de la edición de El Europeo, que fue una coproducción con su propia compañía, Discos Probeticos, y ponerlo a la venta en edición digital remasterizada en una página web especial, parece que está viviendo una segunda vida.

Si le añadimos las actuaciones de los granadinos en el Primavera Sound y la próxima en el FIB, donde coincidirán con Leonard Cohen, parece que el 2008 es un nuevo año Omega. El disco se abre con el envolvente tema que le da título, diez minutos y medio de flamenco eléctrico con los Lagartija y los músicos del cantaor a pleno rendimiento. Morente canta el Poema para los muertos y una serie de letras populares como si estuviera ante un martinete.

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Después se pasa al remanso de Pequeño vals vienés, el Take this waltz, de Leonard Cohen con letra del poeta granadino, y Solo del pastor bobo, con El Paquete y El Negri, de La Barbería del Sur, de estrellas invitadas. Pero, aparte del desfile de genios como Vicente Amigo en La aurora de Nueva York, Tomatito en Sacerdotes o Isidro Muñoz en Adán, Vals en las ramas y Norma y paraíso de los negros, lo mejor de Omega es como ya dije los cortes en los que están Lagartija Nick.

Niña ahogada en el pozo, Aleluya, Ciudad sin sueño y sobre todo Vuelta de paseo, que en directo, con dos bajistas como cuando yo les ví, es una auténtica pasada cuando Morente canta ¡Asesinado por el cielo!, hacen del disco una rareza dentro de la música popular española. Y además nos redescubrieron a unos Lagartija Nick, una banda infravalorada que en ese momento, 1996, estaban pasando por su peor época, tal y como Antonio Arias reconoció en una entrevista publicada este mes en Rolling Stone.

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Fotografía: Jesús Ubera

Dorian están grabando en estos momentos la continuación de El futuro no es de nadie (Pias, 2006). El grupo barcelonés que forman Mark Gili (voz, guitarra y programaciones), Belly Hernández (piano y programaciones), Bart Sanz (bajo) y Jordi Gorro (batería) entraron el mes pasado en el estudio a las órdenes de Maxi Ruiz (ruizpantaleón, Ferenc) y Dive Dibosso (7 Notas 7 Colores).

El cuarteto consiguió un par de infalibles hits de pop electrónico con aquel disco, como son A cualquier otra parte y La playa bajo el asfalto, dos temas que siguen siendo puntales en sus conciertos. Dorian estarán mañana en Oviedo (Sala Tribeca, 21:00 horas) y seguirá su gira de actuaciones en Murcia (Festival Murcia Sound, 21 de junio), Castellón (Hangar Club, 27 de junio), Masnou (Playa del Masnou, 28 de junio), Roquetas de Mar (Festival Pulpop, 5 de julio) y Portugal (Festival Paredes de Coura, 2 de agosto).

Tras más de un lustro en activo, ¿qué le queda por decir a Dorian?

Belly: ¡Muchísimo! Esto no ha hecho más que empezar. Nos encontramos en un buen momento de forma y tenemos mucho por decir, cada vez más, ¡vamos a necesitar siglos!

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Con dos discos ya no sois unos perfectos desconocidos para el público ¿que pasará con el tercero?

B: Por primera vez hay alguien ahí fuera pendiente de lo que hacemos y esperando nuevos temas. Esta es una situación nueva para nosotros y un poco rara. Cuando empezamos a componer el tercero, nos sentíamos un poco presionados, sentíamos los ojos de la gente en nuestros cogotes… Pero con sólo empezar, nos olvidamos de todo. Lo importante es nos sintamos orgullosos y llenos con todo lo que vamos haciendo.

¿Tras El futuro no es de nadie os consideráis un grupo de electropop?

B: Nos consideramos un grupo que hace pop de toda la vida, es decir, canciones que se pueden tocar con una guitarra acústica, utilizando instrumentos tradicionales como el piano o el bajo y valiéndose de un discurso electrónico, ayudados de ordenadores, secuenciadotes y sintetizadores.

¿Hacia dónde caminan Dorian? ¿Estáis ya con el nuevo disco?

Ahora mismo nos encontramos grabando el tercero. Es un disco que conserva las bases de nuestra personalidad y sonido, al que hemos prestado especial atención. Hemos hecho una mayor labor de grupo en el local de ensayo, aprovechando todo lo que hemos aprendido durante este último año y medio en los escenarios. El resultado es un sonido algo más endurecido.

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¿Ha beneficiado a los grupos indies la aparición masiva de festivales?

B: Es evidente que sí. Para nosotros significa la posibilidad de llegar a mucha gente en buenas condiciones y en un ambiente festivo, que es como nos gusta plantear nuestros directos. Además, otorgan la posibilidad de conocer a otros colegas de profesión e intercambiar ideas.

Además Dorian pueden encajar tanto en una programación más electrónica como en un festival puramente de pop y rock indie, ¿no?

Esto es algo que nos ha llamado la atención durante este último año y medio. Gustamos tanto a los bakalas como los indies, y nosotros nos sentimos muy a gusto en ambos bandos, que deberían ser más complementarios.

¿Os sentís perjudicados por la descargas no legales por Internet?

B: En realidad, no. Las descargas no legales por Internet son una realidad y no hay nada más que hablar. Para el artista significa una mayor difusión y ello se traduce en más actuaciones en directo, que son nuestro verdadero habitat. Aunque nosotros abogamos por una descarga responsable, es decir, se debe ser consciente de que un álbum es fruto de un gran esfuerzo tanto por parte de los grupos como de algunas discográficas que quieren la música, y eso debe ser recompensado. También se deben comprar discos. Hay muchos artistas y personas que merecen disponer de todo el tiempo del mundo para desarrollarse y se les debe ayudar. ¿A cuánta gente a hecho feliz una canción? Debemos agradecerlo a los grupos, ¡éstos no viven del aire! Por otro lado, si algunas discográficas no reciben dinero a cambio de su trabajo, cada vez se ficharán menos artistas y la escena se empobrecerá irremediablemente.

¿Qué me puedes decir del mundillo independiente en el que os movéis?

B: Pues que estamos muy orgullosos de pertenecer a él, y que es verdaderamente independiente. Hemos tenido algún contacto con el mundo de las multis y es una verdadera mierda. No queremos pertenecer a eso. Aquí podemos hacer lo que nos dé la gana, que puede parecer muy obvio, pero no lo es. Quién puede decir algo así de su trabajo?

¿Sirve para algo la SGAE?

B: La SGAE es una empresa que gestiona los derechos de autor de los creadores de una forma ambigua y turbia. Uno se vuelve loco intentando comprender su sistema. Eso es todo lo que tenemos que decir.

¿Qué repertorio estáis tocando en estos últimos conciertos? ¿Habrá sorpresas?

B: El repertorio ha ido mutando a lo largo de este último año y medio. Hemos hecho versiones distintas de nuestros temas y alguna que otra incorporación. ¡Será una fiesta!

Sitio oficial | Dorian
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Los amantes del reggae llevan una temporada de conciertos excelente. A las recientes visitas de Alpha Blondy y Gregory Isaacs (sin contar a Sizzla, que por desgracia tuvo que cancelar sus conciertos a última hora), hay que sumar la de Jah Cure, un joven jamaicano que desde el 2003 ha recogido el relevo de los veteranos del sonido roots.

El concierto forma parte de una iniciativa que busca fusionar el reggae con el rap en un mismo fin de semana, concretamente el del 20 y el 21 de junio. Jah Cure actuará el viernes y al día siguiente, en la misma Sala Bikini, Rapsusklei subirá a la tarima acompañado de Jahsta, una interesante banda zaragozana de reggae comandada por Karty er Nene.

Es una excelente oportunidad para comprobar el estado de salud de la nueva sangre del reggae de ambos lados del charco. Además es la primera visita de Jah Cure a España, sin olvidar el lapso de tiempo que llevaba sin actuar por sus problemas con la justicia. Una voz llena de fuerza y sentimiento que no deberíais dejar escapar. En cuanto a Rapsusklei, ya de sobra conocido por el público español, en esta ocasión sustituirá la figura del Dj por una banda de músicos en directo para interpretar sus temas más célebres y también aquellos que lo aproximan al reggae. Por su parte, Jahsta presentará su nuevo álbum, Legado.

Si queréis saber algo más de estos artistas, no tenéis más que seguir leyendo.

Jah Cure nació en Montego Bay, Jamaica, en 1979. Como todos los jóvenes del país, creció en barrios llenos de dificultades cuyas calles, eso sí, transpiran música por sus poros. Tras darse a conocer entre los nuevos talentos del país, y tras conseguir una colaboración con el mismísimo Sizzla, editó su primer álbum en 2003: Guetto Life. A él le han seguido varios hasta su reciente True Reflections.

Unos años atrás, Cure fue detenido como sospechoso de la violación de una mujer. Tras un proceso un tanto turbio, se vio privado de su libertad durante una temporada en la que sus fans se multiplicaron por todo el mundo. Las numerosas protestas, apoyos de artistas e incluso recopilatorios, terminaron por hacer mella en el sistema judicial.

Así que por fin podemos verlo en España, con ese estilo tan conmovedor que tiene de interpretar sus canciones. Una voz que me recuerda al desgarro de los antiguos bluesmen, con temáticas tradicionales de paz, amor y veneración a Jah.

Con más de diez años de carrera, Jahsta ya son todos unos veteranos del reggae nacional. Su sonido es pura y estrictamente roots, lleno de mensajes críticos, combativos y también alegres y desenfadados. Su disco más reciente se llama Legado, pero no es su único proyecto. Karty, encargado de la voz y la percusión, está sacando adelante el sello Muffin Records, para promocionar nuevos talentos del reggae y el rap.

La banda está compuesta por músicos experimentados, y no falta la sección de vientos ni esos sólidos bajos que caracterizan al reggae.